Novos tempos, novo momento.

Na década de 90, Karl Lagerfeld para Chanel encerrou um de seus desfiles com a top model Linda Evangelista vestida com a indumentária tipicamente surfista e encarando a passarela acompanhada de uma bela  prancha de surf.  Nascia então uma parceria inusitada, elementos esportivos começavam a fazer parte do mundo da moda de uma maneira absolutamente nova e principalmente com muito estilo.

Nos anos 20, o surgimento da cintura baixa se inspirava nos vestidos usados para se jogar tênis.

Nos anos 30, a redescoberta do corpo da mulher e a propagação dos esportes, originou o aparecimento de novidades como o short que era o par perfeito da bicicleta.

Com a volta dos anos 90 para o cenário fashion, o universo do esporte, e todas as manifestações de dança e movimento ganharam a atenção da moda, se reinventaram porém com muita sofisticação. A influência esportiva está presente nos tecidos como polyester, nylon,  neoprene e nas modelagens que remetem ao mundo esportivo, é importante saber a dosagem certa desta mistura,  para não ficar parecendo que você acabou de sair da academia de ginástica.

Considerando que a moda é um reflexo da sociedade, o streetwear mais uma vez inspirou até a Haute Couture, o desfile da Chanel retratou bem esta realidade, as modelos desfilaram usando tênis.

Tendência fortíssima da primavera-verão 2014, não se intimide e entre nesta competição para ganhar.

Céline, Chanel, DKNY, Emilio Pucci, Tommy Hilfiger são alguns que já estão no pódio.

Claudia Simon

Depois dos excessos dos anos 80, década do exagero, o minimalismo japonês começou a dominar o mundo fashion nos anos 90.

Ostentação estava fora de moda, a logomania que havia reinado neste período começava a mostrar sinais de cansaço e as inúmeras t-shirts Calvin Klein, Hard Rock Café e Planet Hollywood estavam com seu prazo de validade expirado.

O grunge, movimento musical bem sucedido que havia nascido em Seattle em meados dos 90, vinha na contramão destes conceitos, de estética despojada e desleixada abominava todo tipo de status social. Os movimentos sociais antiglobalização que começaram a surgir eram contra o consumo desenfreado herança dos yuppies.

A logomarca é a representação gráfica de uma empresa, o logotipo é em forma da palavra, abreviações ou letras da marca, o monograma é a sobreposição de letras formando o símbolo da label.

As logos surgiram no século XIX criadas por George Vuitton filho de Louis Vuitton que estampou em seus produtos o que se tornaria um dos mais famosos monogramas do planeta.

Porém com o retorno dos anos 90 para o universo da moda, a logomania está disposta a reinar novamente. A dupla de estilistas Carol Lim e Humberto Leon, da Kenzo, são os grandes responsáveis pela volta desta já esquecida mania, na estação passada eles aplicaram grandes logos nos seus aconchegantes sweatshirts.

Os fashionistas desejam novamente mostrar através das logos o seu poder de compra. Em um mundo onde a imagem é mais importante do que você realmente é, as marcas aproveitam esta onda para faturar e o consumidor brinca de ser rico e poderoso.

Aproveite a primavera-verão 2014 para entrar de cabeça nesta forte tendência e não se leve tão a sério, afinal a moda é para entreter e ser feliz.

DKNY, Kenzo, Louis Vuitton, Moschino e Versus são alguns que estão se divertindo com a logomania.

Claudia Simon

Momento de sonho, realização de um desejo, brilhar e ser a dona da festa.

O casamento é um dos eventos onde se cultivam mais  rituais e tradições,  de acordo com a cultura e religião  de cada povo.

A cerimônia de casamento nasceu na Roma antiga, e deu origem a mulher a se vestir especialmente para o grande dia. Foi em Roma que aconteceram as 1as. uniões de direito.

As cores variavam de acordo com as épocas vividas. Na Grécia Antiga se usavam cores escuras, inclusive estampas. Na Idade Média o vermelho e os bordados predominavam nos vestidos usados pela nobreza. Lembrem-se que os casamentos eram grandes negócios entre famílias com alto poder aquisitivo, portanto a ostentação era uma maneira de se mostrar a riqueza. O preto predominou no século XVI na Alta Renascença.

No século XIX, um vestido de cetim branco debruado de flores de laranjeira foi escolhido pela Rainha Vitória da Inglaterra no seu casamento com o Príncipe Albert, foi um casamento por amor e a noiva não usou coroa o que causou espanto para os padrões vigentes. Rapidamente a novidade se espalhou entre as mulheres da nobreza e da classe alta, porém o branco passou a ser popular nos anos 20, associado a pureza, virgindade e ao ideal romântico do casamento.

O véu também tem o seu significado e está associado a Ishtar a Deusa do Amor, e separa a mulher da vida de solteira para a de casada. Pode ser longo, médio ou curto.

Nos anos 60, com a libertação sexual feminina, a mini saia é incorporada ao visual da noiva moderna.

Nos anos 80, uma jovem belíssima e dona de um grande carisma, passa a ser referencial para as mulheres de todo o mundo;  Lady Diana Spencer que em 1981 se casou com o Príncipe Charles da Inglaterra se tornando a Princesa Diana ou simplesmente Lady Di, em uma cerimônia de casamento espetacular que parou o mundo.

Em 2011, foi a vez do herdeiro da Princesa de Gales ser o centro das atenções mundiais  ao se casar com a linda e elegante Kate Middleton que escolheu a marca inglesa Alexander McQueen para tornar este dia inesquecível.

Apesar de toda a modernidade do século XXI, a mulher ainda acredita no sonho de ser princesa por um dia, e esta indústria não dá sinais de cansaço. As tendências de cada estação são mostradas em semanas de moda e grandes designers sempre tem em suas coleções um exemplar de vestido de noiva considerado uma peça Haute Couture.

Carolina Herrera, Oscar de La Renta, Marchesa e Vera Wang são apenas alguns que podem transformar o sonho em realidade.

O Victoria and  Albert Museum de Londres está apresentando uma exposição de vestidos de casamento, que abrange o período de 1775 a 2014, assinados por designers como  Charles Frederick Worth, Charles James, Christian Lacroix, Vivienne Westwood e Vera Wang.

A apresentação que começou no dia 5/3/2014 ficará em cartaz até 3/15/2015, e é imperdível para quem é fã do tema.

Claudia Simon

“ Fashion must be the most intoxicating release from the banality of the world”

Mrs. Vreeland foi um ícone da moda, editora das duas maiores revistas americanas,  Harper’s Bazaar e Vogue e conhecida pela sua grande criatividade e temperamento forte.

Diana Dalziel filha de pai inglês e mãe americana, nasceu e viveu sua infância em Paris voltando com a família para Nova York as vésperas da 1ª Guerra Mundial. Sua infância foi bem difícil, pois era comparada todo o tempo pela sua mãe  com a sua irmã que era muito bonita. Diana não se encaixava nos padrões de beleza vigentes, porém tinha outros atributos como a elegância, charme e principalmente a inteligência.

Em 1924 se casou com o banqueiro Thomas Vreeland,  em 1929 se mudou para Londres por causa da quebra da bolsa de NY e da grande depressão americana. Passou a frequentar a alta sociedade inglesa e se tornou amiga de Wallis Simpson futura Duquesa de Windsor, Cole Porter, Cecil Beaton e Gertrude Lawrence.

Em 1936, de volta a NY conheceu Carmel Snow editor da Harper’s Bazaar, que a viu deslizando na pista de dança do Hotel St. Regis com um lindo vestido Chanel,  Carmel adorou o seu estilo e a convidou para ser colunista da revista.  A coluna se chamava Why Don’t You? E ela aconselhava as leitoras a se reinventarem, tópico que ela conhecia muito bem. Este trabalho que ela julgava temporário, foi apenas o começo de uma carreira brilhante dentro da moda.

Revolucionou o jornalismo de moda, modificando o conceito pré estabelecido.  Antes da era Vreeland, os editoriais eram feitos por socialites que vestiam outras socialites,  ela passou a mostrar as novidades e trends do mercado  incluindo  designers americanos, supervisionando  os fotógrafos e trabalhando com modelos. Richard Avedon famoso fotógrafo que durante 40 anos trabalhou em parceria com Diana em seus criativos editoriais, credita a ela o início de uma nova profissão.

Imortalizou a figura de nomes como Twiggy,  Marisa Berenson e Cher, transformou os padrões de beleza elevando mulheres exóticas ao patamar de belas como Angelica Houston e Barbra Streisand.

Vreeland como toda pessoa genial e talentosa tinha um temperamento difícil e por muitas vezes fazia exigências extravagantes, mas sabia como ninguém orquestrar tudo com muita maestria dentro do seu lendário escritório vermelho. Acreditava que as personalidades e celebridades eram fascinantes e arrebatadoras, e que tinham muito a acrescentar aos seus artigos.

Em 1963 assumiu a editoria de moda da Vogue onde permaneceria até 1971. Produziu fantásticos editoriais de moda na Ásia, África e Oriente Médio e transformou a revista na mais importante publicação do mundo.

Em 1971 foi demitida da Vogue, mas rapidamente se recuperou ao receber o convite para trabalhar no Costume Institute do Metropolitan Museum de NY. Seu trabalho consistia em convencer  mulheres ricas e designers a doarem seus acervos de Haute Couture  para o museu e a partir daí organizar exposições, porém, como se tratava de Mrs. Vreeland  novamente ela mostrou ao mundo algo completamente novo.

Em 1989, já bastante debilitada por um enfisema pulmonar esta estrela nos deixou, mas seu trabalho será sempre lembrado por muitas e muitas gerações.

Claudia Simon

A moda é um baú de referencias que sempre é aberto na esperança de encontrarmos algo novo.

Tendências que estão sempre voltando, mas que acabam reconquistando seu espaço nos corações fashionistas.

A sandália  gladiadora  é um destes exemplos, e  promete fazer subir temperaturas  nesta primavera- verão 2014.

O nome tem origem na arma usada por lutadores romanos , uma espada de pequeno comprimento chamada gladius.

As primeiras sandálias datam do século V a.c, usadas por gladiadores romanos nas lutas realizadas no Coliseu. Precisavam ser bastante resistentes e eram sinônimos de quem era quem na hierarquia social. Os Senadores usavam as sandálias com tiras que iam até a panturilha  e a cor era marron, já os cônsules romanos usavam as brancas.

O estilo é definido por tiras cruzadas,  em alguns modelos chegam somente até o tornozelo, em outros mais sexy e ousados podem atingir o joelho.

Encontramos uma infinidade de modelos,  das rasteiras extremamente estilosas  as de salto altíssimos poderosas e femininas.

Um conselho na produção dos looks:  o acessório é o foco,  portanto as peças deverão ser básicas para não cometer pecados fatais.

Anna Sui,  Derek Lam,  Nine West,  Rebecca Minkoff ,  Richard Chai,  resolveram encarar esta luta urbana e contemporânea.

Claudia Simon

“A HAUTE COUTURE  é uma arte; é como um quadro: se a pessoa gosta, o preço conta pouco” ( Dener Pamplona de Abreu)

Prestigiada, glamurosa e luxuosa a  haute couture é uma tradição francesa, que consegue após tantos anos  manter a chama acesa e o poder de surpreender.

É a criação em escala artesanal de modelos exclusivos, bordados com pedrarias e metais preciosos, vendidos por preços astronômicos  podendo facilmente ultrapassar 100.000 dólares.  A confecção das peças tem de ser totalmente produzida em Paris, de acordo com as medidas pessoais  especificas de cada cliente, a produção é feita por profissionais altamente qualificados e pode-se gastar até 400 horas de trabalho em cada vestido.

O pai da haute couture quem podia imaginar não era francês, se chamava       Charles Frederick Worth  um inglês inovador que em seu atelier na Rue de la Paix  e ao contrário do que acontecia na época,  não aceitava as imposições  feitas pelas  aristocratas e mulheres  emergentes da alta burguesia, desenvolvia peças exclusivas para cada uma que o visitava. Em  1858, criou  o primeiro desfile de moda  com modelos vivos  substituindo os cabides, outra novidade bastante criativa.

No final de 1850, foi constituída uma Associação de Costura, e em 1910 este trabalho passa a se chamar Haute Couture  especialmente pelo seu diferencial que aliava requinte e ineditismo. Esta denominação está amparada jurídicamente e só pode ser usada por empresas que atendam a determinados padrões bem definidos.

Após ultrapassar tantas crises e recessões a haute couture ainda  sobrevive,  apesar de ter apenas umas 500 clientes no mundo  que podem se dar ao luxo de ter um vestido tão valioso dentro do seu closet.

Além dos super ricos, as estrelas famosas também tem acesso a estas preciosidades, os próprios designers fazem questão de ter a sua griffe associada a atrizes e modelos badaladas.

Atualmente a  haute couture é uma grande estratégia de marketing,  é ela quem vai alavancar as vendas de outros setores da marca.

Chanel, Christian Dior,  Elie Saab,  Giambatista Valli,  Jean Paul Gaultier, Armani Privé,  Atelier Versace,  Maison Martin Margiela, Valentino,  Zurair Murad,  Boucha Jarrar. Estes são alguns dos grandes que fazem parte desta constelação.

“A Haute Couture é composta de segredos cochichados de geração a geração” ( Yves Saint Laurent)

Claudia Simon

O estilo é eterno e chic, sobrevive as variações  de tendências mas permanece  porque é um clássico.

A história nos conta que as listras atualmente amadas por todos, no passado eram associadas  a exclusão e desonra pela Igreja que era quem ditava as regras, até animais selvagens como as zebras eram considerados amaldiçoados. Na Idade Média o padrão foi proibido de ser usado pela sociedade através de leis do vestuário, só era permitido  aos marginais, criminosos, devedores e prostitutas. O confronto entre duas cores era sinônimo de divisão, rebeldia, marginalidade e transgressão.

Apesar das várias revoluções culturais e sociais surgidas nos séculos seguintes trazendo mais liberdade ao homem, as listras ainda continuavam associadas ao proletariado, aos uniformes de presidiários, ladrões, malandros e marinheiros miseráveis.

A moda adora experimentar e modificar conceitos pré-estabelecidos. Em 1917, Coco Chanel que adorava o novo começou a demonstrar interesse e passou a observar melhor esta estética, criando  para si mesmo peças com este padrão marginal, adotando então  um estilo que se tornaria  sinônimo de sofisticação e elegância e que jamais morreria.

Deauville , um famoso balneário francês frequentado pela alta sociedade parisiense,  foi um dos primeiros  endereços das lojas Chanel e também o lugar onde  Mademoiselle exibia com muita classe  esta novidade que  rapidamente foi copiada pelas ricas frequentadoras.

Nos anos 80, Jean Paul Gaultier se rendeu as listras que passaram a fazer parte de todas as suas coleções.

Nesta nova temporada navegue por estes mares e experimente novas sensações, sonhe com barcos e iates e invente looks incríveis.

Chloé,  Kate Spade,  Louis Vuitton,  Sonia by Sonia Rykiel e Valentino mergulharam nestas águas.

Bon Voyage!

Claudia Simon

Uma noite especial,  sofisticada e inesquecível.

Um convite para uma festa Black Tie exige vestidos longos absolutamente fabulosos para elas, e tuxedos muito bem estruturados para eles, além de estarem extremamente elegantes devem acrescentar uma dose extra de  charme  a esta receita tornando-a infalível.

Em 1860, a empresa Henry Pooles & Co. criou um paletó para o Príncipe de Gales, que depois veio a se tornar o Rei Edward VII, para ser usado em jantares informais. Em uma visita ao Príncipe, o milionário novaiorquino James Potter viu a peça e resolveu encomendar uma igual. Voltando para Nova York ele a exibiu em um jantar no Tuxedo Park Club, o sucesso foi imediato e outros integrantes do clube o copiaram nascendo assim o belo  tuxedo em homenagem a este elitizado clube.

Após a 1ª. Guerra Mundial, se consagrou como roupa masculina semiformal usada somente em eventos noturnos como festas, bailes, jantares de chefes de estado, entrega de prêmios, e as grandes celebridades  desfilando pelos red carpets ao redor do mundo.

As variações deste dress code masculino não são muitas e existem itens que devem ser seguidos para que não se cometa equívocos.  O paletó é preto, a gravata é a bow tie, a faixa na cintura é opcional, também pode-se  usar colete, mas neste caso escolha apenas  uma das duas opções,  a camisa é branca com a parte da frente trabalhada,  nos pés sapato de verniz, se quiser dar um up ao look  coloque um lenço de seda no bolso do paletó.  No verão é permitido o white jacket, chiquérrimo.

A partir do século XXI, o midnight blue  é incorporado a esta lista tão restrita assim como a gravata longa.

Tom Ford,  Giorgio Armani,  Prada,  Burberry,  YSL,  Dolce& Gabbana assinam elegantes tuxedos.

Claudia Simon

Musas do cinema.

O cinema e a moda possuem uma estreita relação. Por muitos anos ele era a única referência sobre tendências de moda. Em épocas onde não havia internet e o mundo não era globalizado, onde existiam dificuldades enormes de comunicação, eram as grandes estrelas de Hollywood que ditavam o que deveria ser usado pela sua legião de fãs.

Algumas atrizes eram apenas bonitas, porém outras acrescentavam à beleza algo mais como a elegância,  sex appeal  ou simplesmente o star quality  que as diferenciava  dos simples mortais.

A brincadeira de parecer ser, é o que exerce o fascínio em quem aprecia o cinema e suas adoráveis personagens.

Nos anos 30, Marlene Dietrich, Greta Garbo e Katharine Hepburn ensinaram  ao mundo como usar o estilo masculino sem perder a feminilidade.

Em 1946,  no icônico  “ Gilda” a ruiva Rita Hayworth vestindo  seus famosos  tomara que caia de cetim usou seu grande poder de sedução deixando  todos  aos seus pés.

Nos anos 50, foi a vez da bela e elegantérrima  Audrey Hepburn fazer uma bem sucedida parceria com Hubert de Givenchy,  que assinou os figurinos de filmes como “Sabrina” (1954),  ”Funny Face” (1957),  ”Breakfast at Tiffanys” (1961), neste ultimo o talentoso francês criou o clássico pretinho básico, peça coringa de todos os guarda- roupas  femininos.

Famosas parcerias entre fashion designers e atrizes são uma constante, a  estonteante atriz francesa Catherine Deneuve foi vestida por  Yves Saint Laurent em  “ La Belle de Jour” e “ The Hunger”,  trazendo esta amizade para a vida real, Deneuve era sempre fotografada na primeira fila dos desfiles de YSL.

Em 1977 no filme “ Annie Hall” de Woody Allen, o figurino andrógino de Ralph Lauren usado pela americana  Diane Keaton foi adotado por mulheres do mundo inteiro.

Atualmente, apesar de toda a evolução da tecnologia, o cinema não perdeu a sua magia e suas estrelas continuam fazendo campanhas publicitárias de marcas de luxo, e desbancando as top models sendo as capas das mais importantes revistas de moda.

Claudia Simon

A cor branca é chamada de “cor da luz” pois  espelha todos os raios luminosos  proporcionando uma clareza total, também absorve e reflete todas as outras cores: vermelho,  laranja, amarelo, verde, azul, anil e violeta.

O branco significa paz, pureza, inocência e é também símbolo da virgindade e sinônimo do ideal romântico do casamento, por esta razão é tradicionalmente a cor do vestido de noiva.

A diversidade cultural nos aponta dois opostos: no ocidente o branco está associado à alegria, enquanto no oriente à morte, ao luto e à tristeza.

Esta cor que possui tantos significados, também nos remete ao verão, calor, férias, altas temperaturas, pele bronzeada, praia, sal e sol.

Em uma estação rica em contradições, a grande surpresa foi a escolha do branco  como  uma das cores favoritas dos críticos e fashionistas  e batizado de “winter white”.

Looks  monocromáticos são bem vindos,  misturando texturas poderosas como  furs, lãs aconchegantes e a delicadeza das rendas, não esquecendo que o branco também é a cor da neve.

Proenza Schouler,  Stella Mc Cartney,  Daria Bardeeva e  Valentino elegeram esta cor atemporal  e sofisticada em peças absolutamente fabulosas.

Claudia Simon